混音指南(2016)

原文:iZotope – Mixing Guide 2016
翻译:Aquoibon
转载请注明出处

目录

 

什么是Mixing

Mixing(也叫缩混、混音,但不要和Remix混淆)简单地说就是把多个Audio音轨合并到一起,最终导出一条双通道立体声、或者6+通道环绕立体声音频。而这一看似简单的合并其实包含了艺术与技术的结合,通过使用各种工具使音乐更具表现力和冲击力。

有时候通过简单地混音就可以提高音乐的品质,有时候则需要对原始音轨进行细致地调节甚至修复。每一次混音都会遇到不同的问题与挑战,然而这正是混音师的工作——并不只是解决问题,而且要让最终作品达到客户预期的效果。

本教程将介绍如何有效地使用工具做出最理想的混音。所以还等什么,咱们走起!

 

Mixing的4个要素

把混音想象成一个舞台,我们有4个元素需要控制:

  1. 电平
  2. 均衡
  3. 声像
  4. 基于时间的效果

电平(Level)

电平看上去非常简单——当我们希望听到更大的音量,我们就拉高推子。音量越高的声部越能抓住听众的注意。

均衡(EQ)

EQ可以被认为是更细致的电平控制,它允许我们对某些特定频率的音量进行提高或降低。EQ是对音轨塑形的最简单的方法,我们可以为每一轨添加各种鲜明的特色。

声像(PANNING)

Panning是指在混音过程中对每个声部在水平位置的左右摆放。它可以让你把频段接近的乐器或声部进行区分。例如把两个频段相近的乐器一个放在偏左一个放在偏右,这样可以有效避免它们互相覆盖。

基于时间的效果(Time-Based Effects)

Time-Based Effects可以给人带来纵深感和空间感。例如混响(Reverb)和延迟(Delay)这些都属于基于时间的效果,它们会让声音显得很远或者声场庞大。

通过以上元素我们可以创造出各种音景。然而还有另一个维度——时间。时间是音乐与其他静态艺术——如绘画与雕塑——之间关键的区别。你可以对着蒙娜丽莎的微笑看一整天,而她的表情不会有任何变化——她的微笑已经持续了上百年。而音乐是随着时间单位持续变化的一种艺术。

因此通过对以上4个元素的控制,我们可以对乐曲的各个段落进行不同的处理,实现动态的具有活力的混音。混音时需要确定让听众某一时刻要专注哪个乐器或声部,在曲子的不同位置进行不同处理。比如从人声部分到乐器开始solo,你必须把听众的注意力转向solo乐器。

 

均衡(EQ)

均衡处理是指对频率细节电平进行调整的过程。

EQ到底有什么用?

做均衡处理的主要目的是对每一条音轨进行塑形,使所有音轨组合变得融洽。例如,降低贝斯的部分低频,为底鼓留出空间让它能被听清楚。但是EQ也可以对音轨进行效果提升,比如可以通过提高特定频率让小军鼓的音色更有打击感(150Hz-300Hz),或者让人声带有气息感(15kHz-18kHz)

EQ原理

有很多种均衡器,他们都是用来提升或降低指定频率的电平。频率可以划分成几个频段,如低频、高频等等。这样可以对特定频段进行调节。均衡器通常是按照频段工作,每个频段上都有独立的过滤器。

为了了解均衡器如何工作,我们来讨论一下具体参数:

参数型均衡器可以对每个频段进行非常好的电平控制。“bell”(钟型)EQ是最典型的控制方式,每个频段都带有增益、中央频率及带宽这些变量。

下图是Neutron的均衡器,其原理和大多数参数型EQ是相同的。图中启用了一个频段,并且被拉低,对中心频率为185Hz附近的音量进行-2.7dB处理。

001

参数型EQ每个频段通常都有以下3个参数:

Frequency(频率):中心频率,确定EQ频段放在频谱的哪个位置。下图的中心频率为4900Hz或4.9kHz

Gain(增益):提高或降低的量。下图的Gain为提升2dB

Q(带宽):表示中心频率附近多大范围的频段受到Gain的影响。较高的Q值会使受影响的频段变得很窄,低Q值受影响的频段宽。下图的Q值为1.4,相对较宽,所以可以看到中心频率周围受到Gain提升影响的频率范围较大。

002.png

以上是参数型EQ的钟型滤波控制,均衡器通常还有其他形式的控制,在混音时也会经常用到:

Low/High-pass Filter(低通/高通滤波器):是一种“单向”滤波器。选择一个cutoff频率之后,所有低于(高通滤波)或高于(低通滤波)该频率的音量都会受到衰减(降低电平)。你可以调整随频率逐渐衰减的曲线slope(坡度),这个单位通常用每跨越一个八度降低6dB或6dB的倍数来表示,如:6dB、12dB、18dB、24dB、48dB等。下图是一个高通滤波,Q/slope为48dB,主要用来移除低频的浑浊感。

003

Low/High Shelf(低架/高架):这两中形式的EQ也都是“单向”的,它的作用是对中心频率以下(低架)或以上(高架)的部分进行增益控制(提升或衰减)。下图为高架滤波,对2378Hz以上的频率进行1.7dB的增益提高。请注意它对高于中心频率部分的增益曲线形态。

004

频谱(Frequency Spectrum)

在我们调EQ之前,先要了解需要调的频率。频率的单位是“Hertz”(赫兹)缩写为Hz代表每秒钟震动的次数。例如200Hz的频率每秒钟震动200次,而在我们听觉上它则表现为一个具体的音高(Pitch)。

人类的听觉范围通常在20Hz~20kHz(20000Hz)我们在这个区域里做出频谱,每种乐器在这个频谱里都有它们相应的范围。

我们要如何判断每种乐器的频率范围呢?我们当然可以靠听力和视觉,但为便于研究我们还是姑且将其划分为以下5个频段:

005

  1. 低频-Low End(125Hz以下):这个区域通常是重低音和低音乐器的所在。请注意,这个频段的声音与其说被听到更多的是被“感受”到。
  2. 中低频-Low Mids(125Hz-500Hz):这个频段通常包含很多低音域乐器的基础频率,处理时需要较为谨慎:过多的中低频会让声音变得浑浊(muddy),如果太过薄弱又会令声音缺乏力量。
  3. 中频-Mid Range(500Hz-2kHz):几乎所有乐器都会多少涉及到此频段(人声、军鼓、吉他、钢琴、管乐等)通常这个在调节这个频段所花的时间最多,目的是为了让所有乐器能够和平共处。
  4. 中高频-High Mids(2kHz-8kHz):这一频段主要包含了一些高音域泛音(例如呼吸声、镲片等)这个区域的频率还能给我们带来底鼓敲击瞬间的打击感,或吉他的拨弦感等等。
  5. 高频-High End(8kHz以上):这里是空气感和嘶嘶声的所在区域。如果这个区域的能量过高会显得刺耳并且发薄,如果能量不足会让整个声音变得很钝。

EQ的艺术

现在我们大致了解了频率的划分,那么接下来让我们了解一下通用的EQ技巧

  • 所有乐器在演奏每个音符的时候都有一个基频(最低的那个频率)请试着去掌握你要处理的每一样乐器的基频范围。这可以帮你决定在什么频段需要提高或拉低。
  • 弄清每个乐器的基频和泛音频率(基频的倍数频率,例如基频为100Hz的话泛音频率则会是200Hz或400Hz等等)可以让你在混音时有清晰的条理。举个例子,假如我们想要为人声留出一定空间避免频率拥挤,那么可以在其他音域相近的乐器(如钢琴、吉他、小军鼓等)进行调整。如果调整之后还是拥挤,或许需要考虑还有那些乐器可能造成这种状况。有么有可能是底鼓?一般的底鼓基频为80-100Hz,而部分泛音频率会接近人声音域。如果是底鼓引起的,拉低底鼓2-3kHz的部分就可以让人声听起来更加清晰、扎实。如果把表面看上去最能引起问题的地方都改了还是没能解决问题的话,则需要深入调查到底是什么原因导致的问题。毕竟高品质的混音是值得去努力钻研的。

tips 在Neutron的EQ里,如果按住Alt/Option键然后点击频谱,会启用一个“音频放大镜”,作用是让你单独听选中的频率范围,并且该操作不会改变原先的EQ参数。这一功能在混音时可以方便地监听特定频段的声音而无需破坏原始EQ参数。松开鼠标之后恢复原始EQ设置。这一用于监听的滤波器带宽可以在Option对话框里设置“Alt-solo filter Q”,或者直接用鼠标滚轮实时控制。在频谱中双击可以添加一个新的EQ频段。

006

通过“alt-solo”找到需要处理的频率点,然后双击添加一个EQ点,按住Shift即可保持在该频率上下移动以提升、拉低该频率的音量。

  • 底鼓和贝斯的关系对于整体低频是非常关键的。仔细聆听他们的基频,尽可能保持两种乐器的基频不要互相遮盖。加入一个底鼓的基频是90Hz,贝斯是50Hz,可以根据这两种乐器的基频为依据互相给对方让出空间,同时保证整体低频充足。即:找到贝斯的基频,在底鼓该频率进行衰减,然后同理在贝斯声部EQ中底鼓基频的地方进行衰减。之后可以为其他低频部分进行增益(如需要)。另一种避免低频遮盖的方法叫做side-chain(侧链)我们将在后面关于“动态”的章节中讨论。
  • 如果你的混音听起来很浑浊,试着拉低125Hz-500Hz的部分。如果一些特定乐器——如电吉他、钢琴或一些键盘、pad乐器等——你觉得他们的“分量”过重,请试着先从这些乐器的低频部分入手。
  • 如果500Hz-1kHz的部分能量过大,则会听起来显得很木,或者空洞,这对整体的力度会有消极影响。一些乐器如木吉他、手鼓、电钢琴等,音域都会覆盖此区域。
  • 2kHz以上的频段需要小心谨慎。这个区域的EQ“牵一发而动全身”,能量太高会让整个混音变得轻薄。很多乐器的频率都会涉及4-8kHz范围,但这个区域会给音符的触发带来打击感。因此请斟酌这个区域的处理,不论是增是减。调整后需要反复聆听以确保整体混音听上去不会太生硬。
    007
  • 上述步骤的工作如果持续时间过长会令我们的耳朵疲劳,特别是高频部分。因此提醒大家适当的休息耳朵也是非常重要的!
  • 因为耳朵对EQ的适应性相当高(特别是EQ提升的部分),因此我们需要时常回头对比原始声音以确定我们的混音工作。这时候bypass(旁路)按钮会是非常有用的帮手。

tips bw 在Nuetron、Nectar和Trash中,你可以无限撤回之前的每一步历史操作,因此可以随时恢复上一步操作进行对比,而无需手动调整还原。

  • 请记住:衰减和增益同样重要,有时甚至比增益更加有用。拉低特定频率可以让附近的频率变得更加明显,此外可以确保没有过载的频段。

tips bw 这一原则适用于混音的许多操作。如果你可以通过做减法得到一个合适的效果,就不要用加法去实现,就像不要往汤里放太多盐一样。

  • 请试着为每一个乐器(除了底鼓和贝斯)添加一个高通滤波(HPF)大多数情况下这样做可以产生一个清晰的低频。因为很多乐器(例如人声)在低频区域都有一定的无用能量存在,而其他乐器(如电吉他)会在功放作用下增加低频能量。如果你觉得低频部分拥挤,不放试试这个方法。首先solo模式单独监听鼓、贝斯及另一个单独乐器轨,比如可以人声开始。为该乐器设定一个60Hz的高通滤波器,慢慢将cutoff频率提高。当你觉得快要影响到乐器音色时再将频率略微降低一些,反复微调每一样乐器直至满意。这样一来整体上的低频部分就只由贝斯和底鼓支撑。
  • 很多混音师谈论“Pultec”均衡器时认为它是混音神器。当然,这里有很大主观因素存在,但的确Pultec的一些滤波曲线非常讨巧。用PultecEQ提升某些频率会导致其他频率降低,可以从频谱中明显地观察到。
    008
  • 所以使用PultecEQ提高低频会导致其他频段的降低,这样会使整个音轨听起来更加饱满的同时并且保持清晰。

 

动态(Dynamics)

动态处理并不只是让声音听起来更“响”。在混音的过程中,动态处理的目的是通过对音频型号的动态范围进行调控以达到想要的音响效果。你可以将动态处理理解为两个主要部分“下行:压缩/限制”和“上行:扩展/门限”。通过这两种操作调整动态范围对一个完美的混音或作品润色是非常关键的部分。

动态处理的意义?

调整动态是为了控制、削减或扩展一条音轨的动态和音量。

压缩和限制的目的在于降低音轨的动态范围,通常是将音量高峰降低来实现。比如一个歌手在舒缓的阶段突然飙出一个很高很响亮的音量,这对耳朵来说多少会有些不和谐。

扩展和门限的目的是降低或去除不需要的音频信号。比如在录制鼓组时需要去掉军鼓导致的镲片共振、或去除人声不必要的换气声等。

tips bw iZotope的Nectar 2制作工具集包含一个呼吸控制模块,它可以自动检测并削减人声录制时产生的呼吸声,并且比传统的(gate)门限器更加干净。

动态的原理

一个优秀的混音师在动态处理方面的学习将会是一生的事情。让我们从最基本的4个通用参数开始了解动态处理工具:threshold(阈值)、ratio(压缩比)、attack(启动)以及release(释放)

Threshold

阈值表示在什么电平位置开始启用动态处理。以压缩和限制器为例,任何音频信号超过阈值后才会启动效果器(图1)而扩展器和门限器则是低于阈值时才开始工作(图2)

010
图1
010
图2

Ratio

压缩比反应动态处理其对信号做出何种程度的操作。例如压缩比为4:1的压缩器(图3)意味着原始信号超过阈值4dB时处理过的信号只会超过1dB,也就是说衰减了3dB.而限制器通常压缩比在10:1以上,如20:1或30:1,而且启动时间非常短(见后文)而门限器的压缩比为正无穷,意思是所有低于阈值的信号都会被消音。

011
图3

Attack

Attack参数定义动态处理器在信号到达阈值后需要多长时间来启动,通常以毫秒计算。

Release

Release参数定义动态处理器在信号离开阈值后需要多长时间停止工作,同样以毫秒计算。

012

压缩过程多少会使原始信号发生失真,而我们的工作就是要让压缩后的声音听起来干净,通过调整得到最佳的效果。避免明显失真的一个方法就是仔细调节attack和release值,太短的启动时间会造成突兀感,而释放时间太短则会让声音听起来有波动感。你可以试着调的极端一些听听效果,这样可以在今后的操作过程中避免它。下图是压缩器release太长导致压缩器停止过慢的一个反例。

013

基本参数就是这些,那么我们如何正确地使用它们呢?我们并不希望音频被压得太狠或过于扁平,所以需要让压缩器适当地运作,但这个“适当”要如何做到呢?

做到适当并不难,因为已经有了很多前人的经验,根据乐器、音乐风格或表演分别有不同的规则。我们将在后面的Mixing An Action Verb一章具体讨论。现在先来了解一些大致规则

压缩的艺术

  • 使用低压缩比(2:1-5:1)来提升整体音量。尤其是音轨中有几处突然跳高的音量点时。

014

tips有时候使用两个柔和的压缩进行串联处理(一个压缩器接在另一个压缩器后边)比起单独使用一个强力的压缩更能让音轨显得干净。下图是使用了串联的两个压缩器对上图相同的音频进行压缩的效果。

015

  • 当对鼓或打击乐进行压缩的时候请尝试使用较快的release.这样在压缩音头时可以有效地保留信号尾部的衰减细节。
  • 同样,上述情况请尽可能保留音头细节,不要因为过度压缩破坏原有音头形态。
  • 在压缩原声吉他时,拨弦演奏适合用较快的attack、扫弦则适用于较慢的attack.因为拨弦的音头比延音音量要大许多,快速的attack可以使对音头进行压缩的同时保留延音。扫弦在音响效果上来说具有更高的动态,因此慢一点的attack可以让扫弦听起来更明亮。
  • 失真吉他在放大器阶段已经经历过压缩。如果音轨当中没有特别突出的高音量峰值则尽量不用或少用压缩。
  • 人声主旋律部分可以做如下尝试:1,先加载一个高压缩比的限制器,把过为突出的音符压下来,然后再接一个相对柔和(比如3:1)的压缩器进行整体处理。这样压缩器就不至于要直接面对那些尖锐的峰值,而整体效果也会听上去更加自然。

016

  • 有一种技术叫做“平行压缩”(Parallel Compression),它是将一个轻度压缩的信号和重度压缩(有时会添加高通滤波器)的信号进行混合。这样做的好处是压缩出来的声音会比较柔和顺畅,比较常用的混合比为各站50%

tips 使用Neutron可以方便地实现平行压缩。在每个band调节混合推子或者全局平行量推子。

017

tips bw 在Nectar 2中点击左侧按钮之后两个压缩器就会以平行方式工作。通过右侧推子可以调节两个压缩器的混合比例,并且可以对第二个压缩器进行滤波操作。

  • 请试着将释放时间(release time)与你的曲速进行匹配。release同步,比如说与贝司或节奏吉他的8分音符相匹配会让律动变得更有活力。要实现这一目的可以简单地将压缩器的阈值设定得非常低,然后调整release直到声音听起来很自然(比如,不能有抽吸感)
  • 试着给你的贝斯加一个硬限制器(6-12dB衰减),这可以让你的混音带有稳定的低频。
  • 对于断奏的管乐声部,要以快速的attack为开头,请确保attack值不会将音头磨掉。对管乐组使用类似鼓组的平行压缩会产生很多有意思的效果。
  • 不要害怕尝试极端的压缩。在录制鼓的时候给环境麦克风加载一个限制器可以让鼓听起来感觉像是在很空旷的环境演奏。但是请注意:如果设置不当可能会完全把鼓弄得软弱无力,更极端一点的情况会失去节奏的能量并导致整个混音听起来非常扁平。
  • 基于以上几条信息,请对比你的原始音轨反复聆听。压缩器用久了就会掌握每个参数的效果及其用法,等你可以随心所欲地压缩出想要的效果你就彻底征服压缩器了。

 

声像/立体声

混音最后通常是要导出一条立体声音轨。调整单独一个乐器的声像(Panning)可以控制其左右声道所占的音量比例。

018

声像的作用

声像(Panning)从宏观角度上来说决定了我们的最终混音给听者带来的声场广度。它可以为混音带来空间感,让听众感到身临其境。

019
图4 声场非常狭窄的混音,立体声向量表显示听者不会听到任何空间感或宽度
020.png
图5 声场较宽的混音,可以从图中能够看出单凭panning就能制造出较宽的声场

有一些非常方便的技巧可以轻易地制造出立体声效果,具体方法我们将在下一章进行讨论。

Panning原则

我们如何知道该调整哪些声像,具体要怎样设置?一条通用原则是:现代流行音乐里背景节奏和主唱人声是主要关注点。因此底鼓、军鼓、贝斯和人声通常至于正中央,也就是大多数宿主里的“C”或“0”.其他元素在混音时经常会用来呈现立体声效果。我们的耳朵在一般情况下会将注意力集中在正中央或极左/极右。

tips bw 当录制原声吉他时“双轨”(将同一乐句录制两次)分别摆在极左和极右可以产生更加丰富的立体感。

但这并不意味着你可以忽视除了中央/极左/极右之外的空间。明白以上原理之后你就可以根据期望听众注意力集中方向来制定乐器的摆放位置。

tips bw 把军鼓放在正中央可以立即使音色变得更加有力,如果将其稍微偏左或偏右就可以让听众的注意力更多地分配给人声或底鼓。

MID / SIDE PROCESSING

说到Panning和立体声效果时不得不提起Mid/Side processing(中央/两侧),我们来看看它们在panning的艺术里如何运作的。

021

Mid/Side的概念于1934年由Alan Bluemlein提出。最早的灵感源于如何让人的双耳听到立体声效果。这一录音技术在立体声回放出现之前用于提高录音的立体感。基础设置是一个心形麦克风(mid)和8字麦克风(sides)

在录音后将side的麦克风录制下来的音频信号进行相位反转并与mid信号叠加,这样一来会听到3个信号,其中一个叫做mid,另外两个叫sides。两个sides通道的panning一个在极左一个在极右。

如果单独听mid信号你会听到一个单声道效果。当side信号加入时,声场则会发生变化。side声道音量越大整体声场空间就越广。这是由两个mic之间的相位差所导致。这是一种很有意思的录音技术,特别是在房间里录制鼓的时候。但是它如何应用于混音过程呢?

很简单,在混音或母带处理阶段,将普通立体声信号转化为Mid/Side信号,这时Mid通道(左右声道的相同部分)与Side通道(左右声道相异部分)就成为两条独立的通道,便于分别对两个信号进行不同处理。

例如,你现在有一条鼓组bus音轨,为side通道添加一些高频增益可以使声场边缘的元素听起来更加明亮。同样,对mid通道使用中频增益可以让军鼓变得更加有力同时不会让混响空间变得浑浊,因为混响主要体现在side通道。

要进行Mid/Side处理你需要使用Mid/Side技术进行录音——或者,将立体声编码为Mid/Side形式,处理之后再解码为立体声。如果你没有Mid/Side形式的音轨,那么可以使用以下插件进行Mid/Side编码(iZotope Ozone,请参考后文mid/side模式下的EQ)

022

声像/立体声的艺术

让我们回到之前的话题。记住,我们要做的是为听众描绘出一幅立体的音景。有时候这意味着,如果你闭上眼睛听仿佛听到的乐器就在面前的舞台各自相应的位置上演奏一样。另一方面也许你需要让某个乐器突然跳到听众面前,创造一种带有动感令人振奋的感觉。关于这一点,没有硬性规则和标准答案,但作为参考,以下列举一些提示:

  • 如果你有两个乐器处于相近频率,可以试着将他们分别摆在一左一右。但你不需要把它们放在极左和极右。例如将吉他稍微摆放偏左,钢琴稍微偏右。这样可以制造一个平衡的感觉,而且听众不会觉得所有乐器都来自正前方中央位置导致耳朵无法找到专注点。
  • 试着在Verse(主歌)阶段保持一个相对较窄的声场,然后到Chorus(副歌)阶段通过各声部的panning来拓宽声场。像这样突然呈现某一元素甚至将某些元素移动到极端位置可以制造出令人豁然开朗的感觉。
  • 定期在单声道模式下听一听你的混音,确保没有过度丢失信息。有时可能会反过来觉得调了很久的pan可能不如之前某个版本。
  • 定期用耳机听一下你的混音,确保元素不会显得支离破碎或声场不平衡。监听音箱自然很好,但由于耳机缺乏“Crosstalk”(左声道声音通过空气传播到右耳,或反之)因此体验可能会有差异。
  • 确保你的pan调整之后不会出现单独某一声道节奏太过烦躁。例如,混音时有两个频段相近的高频部分——如吉他和踩镲,你可以将他们摆在一左一右。因为这两个乐器经常演奏相同节奏(8或16分音符),因此将他们分到左右可以保证两个音箱都能在高频部分有相同律动。如果过多地将节奏声部偏向某一声道会分散听众注意力。
  • 有时在一些老的录音、怀旧的现代录音或复古录音里,可能会将鼓摆在极右(译注:或极左,例如The Doors的《Light My Fire》)而把贝斯放在极左。这样做会产生有趣的效果。
  • 录音时,特别是录制带有明显音头和音调的乐器(比如任何拨弦或扫弦)可以录制两次,将他们摆放在极左和极右可以产生更丰富的声场。

 

基于时间的效果

到目前为止,我们已经介绍了混音4个要素当中的3个——Level、EQ和Panning.接下来我们来了解一下第四个要素——基于时间的效果。它主要负责音乐中的空间感知。

什么是基于时间的效果?

使用特定的基于时间的效果可以让一个音色变得广阔、遥远。一个优秀的混音师会对每个音乐元素使用不同的混响,有些音色共享同一个混响,有些则使用单独的混响。或者通过对人声主旋律使用延迟效果,使膨胀的现实感带来冲击。总的来说基于时间的效果可以用来增加深度和空间感,或为混音最后一步进行润色,甚至可能成为点睛之笔。

基于时间的效果原理

基于时间的效果有很多种,它们的工作原理和用法各不相同:

混响 (Reverb)

混响是由声音在任何给定的房间或空间反射(或“弹跳”)造成的自然现象。 房间大小和材料在混响声音中起着重要的作用。 例如,在小木屋、大教堂或卧室的混响都会听起来很不一样。

023.png

混音过程中的混响创造了房间所能提供的空间感,是一种混音师经常使用的美学工具。混响效果可以通过数字技术来实现,如卷积混响——基于房间参数的算法模型实现的混响。也可以通过模拟方式实现——如弹簧混响和板式混响。

而现在弹簧混响(通常用于吉他功放)和板式混响独有的特征及色彩也都被数字领域所采用。

tips bw Nectar 2包含基于经典的板式混响EMT-140建模的混响效果器。你可以通过这个效果器的room size以及其他参数来获得想要的混响效果。

如今有很多非常优秀的混响效果器,iZotope Nectar的板式混响就是其中之一。稍后我们将在本章中讨论它的参数。注意:过多的混响会将你的实际元素从混音中冲淡。

延迟 (Delay)

024.png

延迟效果器会将音频信号储存并保留一段时间后再将其释放。通过控制多条延迟的声音可以产生一种“回声效果”。释放每条延迟声音时以一定顺序将其音量进行衰减,可以模拟出真实的回声效果。

延迟效果有很多种形式,如Elvis Presley的《Heartbreak Hotel》里的简单回声效果、U2的《Where the Streets Have No Name》中与节奏同步的延迟效果。各种延迟能为人们的听觉感知制造不同的效果。

延迟效果器也有很多(模拟、数字等)你可以巧妙地将不同延迟效果器组合应用。最重要的是,你需要清楚为什么要用延迟效果器:是否有些元素需要让听众感到而非听到,或者是否要用延迟来改变乐器的音色?本章稍后会提供很多延迟的使用技巧。

合唱/镶边/相位(Chorus/Flange/Phase)

025.png

这三个效果是延迟效果的调制版本。延迟的一个通常规则是:和原始音频间隔在50ms以内的延迟,在人耳中不会被当作另外一个声音来识别。这三种调制过的延迟都是在50ms以内。一下是大致范围:

Phase:无
Flange:1-5ms
Chorus:5-40ms

这些效果是通过调节延迟效果的深度及频率得到的。深度:通常单位是百分比(%)表示延迟效果早于或晚于原始音频。

举个例子:延迟时间为40ms、depth为25%代表延迟时间在30-50ms之间浮动。rate表示变化的速度。因此在上述例子里快速的rate意味着延迟时间在30-50ms之间变化较快。

现在我们来讨论三种调制效果的rate和depth参数。Phaser效果可以在不同时刻抵消不同的频率。Flanger的depth和rate可调范围相对较广,取决于你想用它实现怎样的极端效果。Chorus的rate和depth相对较为微妙,合唱效果主要用于创造更宽的声场和丰满的音色,以及在某些情况下拓宽立体声效果。

基于时间效果的艺术

在此分享一些基于时间效果的技巧:

  • 为主唱人声轨加一个单声道混响,然后再在合唱效果里加入一些立体声延迟。这将保持人声一直专注于中间方位,而延迟(假设已经与曲速同步)会呈现出较广的合唱混响效果。
  • 为主唱人声轨加一个合唱效果器,干湿比为5%-8%,这会产生一个微妙的动感并且难以察觉,但仍会使人声变得更加有意思。
    026
  • 在主歌和副歌部分尝试不同混响。这样可以在从声场效果上对不同段落进行区分。下图中,我们的混音中对主副歌分别进行了不同的混响设置,从声场上进行了过渡转移。
    027.png
  • 如果想让你的延迟效果更加显著,或者想制造有节奏的伸缩感,请尝试将延迟时间设置的稍快或慢于当前曲速(+/-10ms)这种稍稍错位感会更加吸引听者的注意。
  • 在近场鼓麦(军鼓或hi-hat)使用延迟效果;可以创造shuffle或swing感觉。可以先从较低的延迟音量开始,然后逐渐提升,直到你能感受到新的节奏产生。
  • 尝试在贝斯轨使用合唱效果。先把合唱效果音量拉到最低,然后逐渐提高,让贝斯的声音在底鼓周围扩散,而不是集中在中心一点。但不要过量,低频声场永远不要混的太宽广。
  • 试着将混响湿音信号的高低频拉低。柔和的中频通常对空间和深度的拓展更加有效。而且为高频部分添加其他效果预留出空间。028.png
  • 为主唱人声添加混响时,对湿音信号添加一个低通滤波器,中央频率设为5kHz左右。这样可以有效避免湿音的嘶嘶声叠加导致的人声毛刺感。
    029.png

 

失真

可能有些人会认为失真是一件糟糕的事情,但失真——不论微量还是极端——都可能成为你的有力武器。

在数字混音出现之前,失真都是固有存在于工程当中的。不论是话放、混音台、磁带饱和、还是电子管放大器,每一轨始终存在失真。

 

030

在现代音乐史上,许多音乐家都曾通过失真来创造出自己标志性的音色。因此,我们的耳朵不仅适应了失真,并且能够欣赏失真所带来的愉悦。然而这一元素到了数字混音的诞生的那一时刻便从固有状态消失了。然而好在目前有很多谐波失真工具可以使用,帮助音频工程师来还原固有存在的失真现象。

tips bw你会在iZotope的众多插件里发现很多非常棒的失真还原了原始的模拟电路及复古设备。例如Neutron、Trash 2和Nectar 2,以及许多其他插件。

失真是做什么用的?

混音工程师通常会使用失真来制造临场感。例如为底鼓添加一个基于电子管失真来增加冲击感、明亮感,或为人声、鼓声部添加磁带失真来制造谐波失真以达到丰满音色和激励效果。

许多吉他手倾向在录音时使用过载或失真,这足以改变他们的演奏方式,能产生干声吉他无法实现的效果。

失真的原理

最基础的失真恐怕就是对一个正弦波进行过调制,产生特定泛音导致波形倾向方波。而失真则是这种过调制产生的结果。

任何形式的泛音过饱和从技术上讲都属于失真。混音工程师常用的失真种类:

  • Tube:这类失真模拟了电子管设备产生的失真效果,它比较强调瞬态(或者说乐器的音头)因此人们通常把它描述为冲击感。一般情况下Tube失真在低频方面更加显著,因此也有人把它描述为“温暖”感。
    031
  • Tape:这种失真一般产生于磁带饱和,强调奇数泛音列。虽然对中低频也有影响,但磁带饱和在高频部分较为明显,磁带机本身会有一个高频噪音层(称为hiss,嘶嘶声)因此磁带饱和通常被描述为“明亮感”
    032.png

tips bw 或许你已经注意到了,对音频来说每个人的主观意见是不同的。有一条黄金法则是:只要听上去好,就好。而如何才算“听上去好”,你自己说了算。

tips Neutron还拥有“Retro”和“Warm”设定。“Retro”基于晶体管的特点,其产生的奇数泛音列随时间逐渐衰减。而“Warm”类似tube设定,但产生的泛音会快速衰减,听上去比电子管要柔和一些。
033.png

这些参数都可以根据自己的口味进行微量或极端设置。另外还有其他插件可以实现更加极端的失真形式,例如iZotope的Trash 2,范围包括功放模拟、极端的法兹效果,各种组合能够产生从未想象过的音色效果。

tips bw 波形塑形失真,比如Trash 2里提供的过调制波形,能够通过产生额外泛音制造全新的失真音色。

034.png

使用失真或泛音激励会产生额外的作用——像动态控制一样对音轨的音频波形进行塑形。例如吉他功放产生的过载信号,会自带一个内部的压缩效果,因此不必再使用额外的动态控制。所以通常失真电吉他一般无需或较少使用压缩。(之前的动态章节有提到过)

失真的艺术

你可以把失真当作番茄酱汁里的洋葱——适量的加入会产生完美的效果。过度的失真会让混音变得糟糕,以下是使用失真的技巧:

  • 在许多有吉他和键盘的混音中,尝试为贝斯轨加点失真来提升瞬态。因为贝斯保持在低频部分,容易被中低频乐器覆盖,添加适量的失真或许会为你的混音带来惊喜。
  • 在鼓组bus轨添加一些失真,能够产生glue compression的效果。
    035.png
  • 在主人声轨使用微量失真,在伴唱bus轨使用较大失真并降低音量,这样可以使伴唱更加浑厚。
  • 在你想要突出的声部尝试各种失真(包括军鼓)。记住,微量的失真或许就能带来很大的变化!在不同乐器间通过Automation调节失真的量,能够创造出有意思的对比。
  • 复制人声轨,为复制的人声轨加入大量失真。逐渐提高失真和声的音量以添加泛音激励。同时可以让主旋律与和声层次分明。
  • 有时候加入少量的失真(低于30%)几乎可以让任何信号获得泛音增益效果,特别是鼓(底鼓、军鼓以及环境拾音麦克)和原声吉他。
  • 综上所述,失真从微量到极端会带来丰富的音色变化。最好的方式就是通过各种不同参数的实验获得你想要的效果,并总结成为你自己的风格特色。请放心大胆地去尝试吧!

 

开始混音之前

和客户确定目标

假设你从客户那里接到混音文件,在开始工作之前非常有必要和客户讨论最终期望的效果。可以试着要一份参考清单作为依据(例如,鼓音色,人声混响,所有配器的音量关系等等)。下一步可以开始聆听原始混音,这时你可能会产生完全不同的新思路,但更重要的是你需要知道原作者的意图。例如,在原始混音中有一些插件可能是原作者大致想要的方向,或是刻意要保持的确切音色。你是否在讨论时发现目标效果与实际情况的冲突(例如原作者想要舞曲的感觉却在工程里使用了原声摇滚架子鼓配器)?如果有任何疑问,一定要保持和客户的畅通沟通。在你开工之前得到的信息越多,你的方向就越接近客户的最终目的。

艺术家追求的声音和所追求的氛围是需要加以区分的。记住,我们需要做的是用合适的声音来传达乐曲的感情。

聆听原始音频

打开工程之后的第一件事情就是完整地聆听原始音频。在听第二遍时,可以开始检视每条音轨。就像烤蛋糕之前,需要知道所有的配方材料。

如何开始?

有几种方法可以开始切入工作。有些混音从人声主旋律开始,也有时候从鼓开始。从人声主旋律开始的情况是因为曲子是以人声旋律为主。在大多数西方音乐里,所有元素都是为主旋律服务。而从鼓开始的理由则是鼓是整首歌曲的地基,其他元素都是构建在节奏基础上的。当人们听音乐时,很多人会想跟着唱或跳舞,因此旋律和节奏是混音当中两个最重要的元素。

例如,在对流行歌曲进行混音时适合从人声主旋律开始入手,因为流行音乐旋律占首要地位。但在混摇滚时,通常乐队的演奏是围绕鼓进行的,适合从鼓开始。

 

混音过程

终于开始讲混音了!让我们先来看一下工程,决定从哪个乐器开始。即便是从鼓开始混,也请始终保持人生主旋律的全程可见,以免造成音量覆盖或冲突。可以把主旋律看作摇滚、流行音乐中的指南针。只要你能明白在你的混音中主旋律是最重要的——因此也应该是最明显的,然后调整其他声部以维护它们与主旋律之间的音量关系,就变得简单多了。

底鼓

首先调整底鼓EQ.一般情况下会有几个问题点:200Hz-500Hz(浑浊感),600Hz-1kHz(发闷)以及2kHz-4kHz(尖锐感)。对于这些频率,并没有一个硬性或快捷的统一标准,但这些频段是值得入手尝试的切入点。

 其请记住”Alt+鼠标左键”的快捷方式,可以在Neutron、Ozone、Nectar 2以及Trash 2的EQ里进行特定频率的监听,用来找到问题频点。

 Neutron的复古式Low-Shelf滤波曲线,非常适合提升低频部分——尤其是底鼓,同时会切掉部分导致闷感的频率。

即使你很想要一个坚实的低频,比如让底鼓更加厚重。但将30Hz以下的频率进行衰减会有助于提高整个混音的清晰感,并且控制整体低频比例。

下一步你可能会想要对底鼓进行压缩。柔和的压缩比可以对音头进行抑制,并提高总体音量,会得到一个更加响亮、顺畅的底鼓。由于这样做会降低动态范围,最终结果是音量较弱的底鼓也会变得响亮,并且更加平稳。

 请尝试使用Neutron独特的瞬态塑形功能来调节底鼓的“Attack”(起始)和“Sustain”(淡出)的音量。想要浑厚的底鼓,可以适当增加sustain的量(见图6)底鼓的躯干音色会变得更加饱满和明显。想要得到坚定的底鼓,可以降低sustain(见图7),提高attack.

图6
图7

军鼓和桶鼓

根据军鼓和桶鼓的音色,EQ有很多种调整可能。例如,有些军鼓在200-250Hz频段带有奇妙的圆润音色,而有的军鼓在这一频段的音色相对较模糊。

 将你的鼓组进入master轨之前先发送到一个立体声bus轨,然后bus轨挂一个Neutron EQ,这样可以在深入研究每一个鼓之前对总体进行问题分析。

处理鼓组时更多的是需要通过聆听鼓组整体效果来决定哪里需要提升哪里需要削减。

一般情况下,军鼓清脆的打击感和人声频率在3-5kHz的嘶嘶声会有冲突。这也是为什么前面提到要一直保持人声可见。仔细聆听军鼓的泛音,EQ频谱会帮你找到可能覆盖人声的频率,以及在不影响人声的前提下在哪里可以提升军鼓。

 Neutron的Masking Meter能够帮你识别这些频率。只需在军鼓和人声轨分别挂在Neutron,打开人声轨的Neutron,点击EQ模块里的“Masking”按钮,在菜单里选择军鼓轨道,这时你就能够看到军鼓的哪些泛音频率可能覆盖到人声,然后通过EQ来化解冲突。

至于压缩,有很多类似的原则可以应用到军鼓和鼓组环境麦克上。和底鼓一样,可以通过柔和的压缩比来抑制音头得到更流畅的声音。

注意不要过度压缩军鼓。相比底鼓来说,过度的压缩会使得军鼓音色听起来没有活力显得很拖沓。

有很多不同种类的压缩,iZotope的Neutron里有两种算法“数字”和“复古”。

“数字”压缩相对比较清澈、透明并且精确(适合用来压缩流行乐中干净的军鼓),而“复古”压缩带有模拟压缩器的特征。“复古”压缩对瞬态的响应更加迅速,然后逐渐进入释放阶段。这一特点让压缩效果更佳顺畅并且带有冲击力。适合用于压缩各种有声音个性的军鼓。

下图中,上边的是未经压缩的信号,中间的是用Neutron的数字模式压缩后的信号,下边是Neutron模拟方式压缩之后的信号。

鼓组的顶部麦克风与环境麦克风

当我们对鼓组进行混音时,有些混音师从顶部麦克风开始,因为该声道会描绘出整个鼓组的大致形态。根据环境麦克风的数量,——不论是单声道、立体声还是多个房间麦克风——你可以用这些麦克风来塑造出大的声学空间,或是只用来展示特定元素(例如吊镲/踩镲等)。记住,由于声学空间的多样性,每个麦克的EQ方法也不一而同。

 切掉环境麦克的低频部分能够使空间声变得不那么浑浊,让鼓的声音更加坚实。虽然单独听上去会显得不够真实,但在混音时会得到很好的效果,请尝试。

压缩的参数,可以是非常微量的,例如吊镲等。也可以是极端的,例如通过20:1或更高的压缩让你的鼓组带有John Bonham风味。本章稍后将讨论如何设置多个环境麦克完成创意。

 在吊镲上使用De-Esser效果器,可以抑制吊镲在混音中的金属嘶嘶声。虽然De-Esser原本设计是用来处理人声的,但在其他爆发式高频乐器中使用同样有奇效。只需简单地将“ess”的频率设为吊镲频谱中的高频处嘶嘶声,然后调整阈值即可。

还记得我们之前说过的mid/side处理吗?通过mid/side EQ提升顶部麦克在两侧声道的高频,在中置通道提升底鼓的低频,可以使声场更加宽阔。

 通过瞬态塑形,例如Neutron,可以提升顶部麦克以及踩镲的临场感。添加更多的Attack(特别是多段模式中的高频部分)有助于凸显律动与表现性元素的瞬态。通过Attack参数的包络在不同段落做自动控制,能够做出段落之间的差别,同时保持节奏声部的音色不会走样。

打击乐

打击乐范围可以包括从手鼓、沙锤、康加鼓到定音鼓,甚至电子打击乐等等。

由于这些音色之间差异较大,而且在频谱中所占频率相对狭窄,为了将打击乐更好地融入整个混音,其EQ参数的调节幅度通常比较大。

 Neutron自带一些非常棒的预设,可以用来处理各种打击乐,包括鼓组。

打击乐的压缩需要较高的压缩比,以及较短的Attack和Release时间。压缩比大概介于5:1-8:1之间,建议使用高压缩比。如果打击乐的声音非常短促,减缓瞬态的峰值可以让decay部分以及音色的特征更加清晰。Release时间可以降低到20ms左右。

 Neutron的压缩器拥有一个Gain跟踪表,随时显示增益衰减值。可以根据这个显示来调节release时值。如果压缩器复位的时间太长,那么可以适当降低release时值,直到通过图示达到满意状态。

打击乐会给节奏带来更多活力,但是过多的打击乐会干扰听者的注意力,将其从音乐整体的基础核心吸引到其他地方。因此请保守地使用打击乐。可以在主歌部分适当降低打击乐的电平,同时注意pan的位置,不要让所有打击乐都在一侧。

贝斯

如前文所述,一首曲子的低频基础主要是靠贝斯和底鼓的关系来构建。我们的目标是让整体低频稳定有力,同时底鼓和贝斯不会相互掩盖。首先需要决定让谁来“垫底”。比如,你的贝斯是否经常演奏一些超低音域的音符?底鼓音色设计是否带有清脆的高频、或者带有低沉的延音?不同的情况有不同的处理方式。

当你决定让其中一个乐器垫底之后,可以对另一个乐器在相应频段做一些让步。例如,如果你的底鼓突出强调80Hz,那么请让贝斯在80Hz左右的频率进行回避,但可以在40Hz和80Hz进行表现。当然你可能在某件乐器进来之后会想要改变低频的结构关系,但不要因此气馁。推敲是流程中必不可少的。

 使用Neutron EQ的Masking Meter,合理安排你的贝斯和底鼓吧。

在一个较为浑厚的混音当中,2-5kHz是有利于展现贝斯律动的中频频段。该频段包含贝斯丰富的上层泛音,这些泛音能够表现贝斯的音色特征以及音高。

适当的谐波失真同样可以提升这一频段。一条通用原则是:添加电子管失真能使贝斯的低频更加坚实,而添加磁带失真将会让中高频的泛音可识别性更高。因此磁带失真更适合提升2-5kHz频段的明亮感.

 Neutron的激励器同时提供磁带和电子管两种方式的失真。你也可以将两种模式用XY控制器进行混合。激励器在多段模式下能够分别制造温暖感和明亮感。

不论你是用EQ还是加入失真,请随时切换bypass,来对比效果和原声的区别变化,而不能仅凭视觉去看参数。我们的眼睛经常会干扰听觉的判断,因此比起用眼睛看参数,仔细聆听才是最重要的。

根据演奏风格,对贝斯的压缩有很多种方式。如果是倍大提琴,适度地微量压缩和中等的Attack、Release是最佳的。如果是拨片演奏的电贝司或funk风格的slap,则需要快速的Attack和Release,以塑造瞬态。对于指弹电贝司,Attack和Release可以回归到中量。对于这些风格的压缩比例来说一般介于3:1至6:1,但是最高可以到10:1,需要注意的一点是:压缩时进行了多少的衰减。微量的衰减:从峰值大约衰减了2-3dB;中量衰减:6dB左右。然后记得进行Makeup,或auto-gain如果你的工具有这样的选项。否则虽然你的贝斯音色流畅了,但同时音量也变轻了,那样可能在整个曲子里听不清楚。

 Neutron的压缩模块包含makeup功能,你可以手动开关,或者使用auto-gain来进行智能makeup来弥补压缩过程中的电平损失。

区分底鼓和贝斯,另一个很有用的功能就是侧链压缩。这类压缩的原理是:使用一个乐器的电平和阈值来触发另一轨乐器的增益衰减(压缩)。比如,在贝斯轨挂一个压缩器,让它根据底鼓来触发,这样一来每当底鼓发声的时候压缩器才会工作。这种方法会在每一个底鼓节拍抑制贝斯的发音,在其他节拍释放贝斯音量。

 Neutron拥有强大、灵活的侧链压缩功能。你可以用一个压缩器来修饰贝斯音色本身,然后用另一个压缩器实现侧链压缩。你也可以通过Masking Meter和侧链动态EQ节点来确保贝斯和底鼓不会互相覆盖。

当然,看图形参数也很重要。如果花很长时间还没能搞定低频也不要气馁。因为贝斯或许是混音当中最麻烦的乐器。贝斯不像鼓那样,它既带有强烈地节奏又包含旋律。每个鼓的音高基本不会有太大变化,而贝斯的每个音基频都不尽相同。就像瞄准动态靶子一样。有些混音工程师倾向使用包络来随着变化调节参数的细节。但也有插件可以自动调整增益或EQ来实现流畅的贝斯混音。

一旦节奏部分搞定,就可以开始进入和乐音乐器了。有音高的乐音乐器的音域范围可能会很广,从清澈的钢琴音色到尖锐的吉他solo。每个预设都有其独特的挑战与特征。

吉他

原声吉他在不同乐曲里担当的角色不同。有的作为独立的前景层,有的作为乐曲中部稠密的织体。在开始混音之前需要首先了解该乐器在整个乐曲中的角色。如果作为伴奏角色,乐器将充斥较广的和声空间,需要对整个音景进行修葺。最基本的一点:确保吉他不会干扰到鼓的音色。

可以考虑使用100-200Hz的高通滤波器,并稍加压缩。

也可以在4-6kHz的地方进行大幅度的EQ衰减,这样能够避免原声吉他和主唱人声的频率干扰。

记住,当你solo监听这一乐器时会觉得它很单薄,此时无需置疑,因为这些修葺会让吉他在整体混音中变得恰到好处。

最后,立体声麦克风录制的原声吉他在大型混音工程中处理起来十分复杂。试着调整他们的pan将声场收窄,或是干脆将其转换成单声道。这样做可以让乐器占用更小的声场空间,这样混起来更容易。

电吉他

电吉他这一乐器的音色变化非常广泛。在前文动态部分曾提到:压缩器在干净的电吉他音色中比失真吉他音色更容易发挥作用,因为失真吉他本身自带一定的压缩效果。

人们通常在录电吉他的时候会使用功放和效果器,如果是干声录制,也会在音轨里加入效果器链,实现听湿录干。这两种方式都能让乐手找到自己所需要的音色。这些参数设置可以帮助你——混音工程师——理解乐手想要的确切音色,且需要知道乐手希望如何对音色进行打磨。

 使用Neutron的泛音激励器添加少量谐波失真,然后对width(宽度)旋钮在进行自动控制,在不同段落中产生变化。这一方法在电吉他音色处理上简单且实用。

在拥挤的混音当中如果有多个电吉他,最有效的区分方法就是通过调节pan来实现。如果有双轨吉他(相同部分演奏两次),可以分别将它们的pan调到极左和极右,有助于拓宽立体声场。

键盘

键盘恐怕是混音中最棘手的乐器。因为它不论从音域还是声场,都占据着大部分空间。

许多钢琴在录制时都会使用立体声麦克风,以确保从最低音域到最高音域都能够清晰地捕捉到。因此必须非常明确一点:乐曲中的钢琴是作为主要乐器还是伴奏乐器出现。

有时为了让钢琴自然地融入整个混音,需要使用强烈的EQ调整。通常情况下,混音工程师会将键盘的pan稍微调向一侧,而不是让它占满整个立体声中央。这种做法和视觉上也是统一的:你什么时候见过一个钢琴摆在舞台正中央演奏?因此可以现在脑海里想象一下画面里的钢琴摆在什么位置,在进行相应panning.

对于钢琴和键盘请慎用压缩,因为压缩很容易造成键盘乐器在演奏中听起来不自然。最多只需要进行1:4-2:1的压缩比,或者平行压缩。如前文所述,平行压缩会让压缩感更加透明化。

人声

主唱

现在终于到了主角出场!除非你混的是纯器乐,不然主唱人声永远是所有音轨里最重要的。因为听者在聆听歌曲时注意力主要集中在主唱的声音上。一个优秀的演唱和录音通常不需要做太大的调整。反过来,如果歌手唱功不加或录音不理想,则需要对音频进行大刀阔斧地“手术”。

以下是经常用到的人生处理流程:

  • 高通滤波:切除不必要的低频信号
  • 动态EQ/De-Esser:去掉容易分散人们注意力的高频嘶嘶声
  • “外科”EQ:这个EQ用于去除不想要的频率信号,例如400-800Hz,这个频段的信号容易让人听起来感觉像是用垃圾麦克风录制的效果,而2-4kHZ的频段会略微给人以鼻音的感觉。以上这些地方值得注意。
  • 压缩:调整参数,让人声在达到峰值时的衰减保持在2-3dB左右。

 当使用压缩器捕捉人声峰值时,你可能需要一个平缓的模拟电平表。与精确的电平表相比,它更倾向于大致表达。在Neutron的复古模式压缩器里,在RMS检测设置高压缩比(4:1或更高)以及阈值(刚好捕捉到峰值),可以很有效地实现对人声的压缩。

  • 塑形EQ:通过这个EQ对人声进行美化。如有需要可以在高频部分使用架式EQ增加气息感。
  • 压缩:这里的压缩用来控制人声的整体动态。从微量到极端,主要根据混音音乐的风格或不同段落而定。一开始可以设为中等attack和较快的release.同时需要不断调整阈值来适应演唱,必要时可以使用自动控制。

 如果你发现你正在使用较高的压缩比对人声进行大幅度的压缩,请撤回这样的操作。有时候将两个平缓的压缩进行串联会比只用一个突兀的压缩能得到更顺畅的结果。

  • 饱和:为人声点缀一些磁带饱和,可以提升人声的特色。
  • 混响/延迟:不论是用板式混响、模拟延迟还是干净的数字回声效果,混响和延迟效果器都会让人声变得更加光鲜、出彩

 对人声使用混响时,一些优秀的混响效果器提供对湿音的滤波处理功能。尝试降低湿音的高频,让那些“闪亮”的反射信号刚好不会盖住原始人声本身。不然过多的高频混响会将原始干音人生覆盖。

 以上处理只是一种途径,另外还有其他办法。Nectar 2包含很多特定风格的人声处理预设。请尝试一下各种预设并调节各参数找到你心中想要的效果。

 

 有时作为额外修饰,可以给主唱人声加入轻微(8% wet或更少)的合唱效果。好的人声永远不会枯燥,但添加微量合唱效果会让音色更具动感,听起来更有意思。

背景伴唱

这一块的变化也很广泛,但通常分为两类伴唱:伴唱和主唱使用相同歌词但音高不同的合声。另一种是伴唱作为Pad出现(oohs或ahhs)

合声型伴唱,需要和作者讨论确定合声音量比例。伴唱的地位是像二重唱一样还是只是作为对主唱的辅助?

对于Pad型伴唱,可以试着加入更多的压缩,以及更加极端的高通滤波,然后加大混响。此类伴唱根据声场范围不同,使用的pan参数变化也很大。如果是双轨,可以一个极左一个极右。但近几年来,此类伴唱经常固定在一定声场范围,给其他乐器留出空间。

根据乐曲结构混音

现在你已经建立了混音工程的大致框架结构。现在需要对整个乐曲的运动进行调整。

当你聆听一首歌时,会感觉到不同段落之间的能量变化。例如,你是否注意过歌曲从主歌进入副歌时的能量变化?

你之所以能够所注意到(特别是一首好的混音作品)其实大部分是混音工作的功劳。混音最重要的是要让歌曲有推动力,以及为歌曲锦上添花。这一点和绘画、雕塑不同,音乐是和时间相关的艺术,是动态的,而非静态。因此我们的混音工作也必须反映出这一特点。有一些常用的办法:

  • 首先,试着让主歌部分的发生音轨尽量少,根据段落逐次引入新的乐器。有的时候作者会把所有乐器写满之后交给混音师,而混音师则有自己的判断:切掉哪些部分、静音哪些地方,甚至改变编曲和段落结构。这种做法并非罕见。
  • 将主歌部分的声场收窄,副歌的时候拓宽。或许主歌部分只需要单声道吉他,放在偏某一边,到了副歌再改为双轨极左极右的摆放方式。
  • 在频率方面削弱主歌的高低频信息,到了副歌在开放所有频率范围。这种做法会产生泛音激励效果。
  • 在主歌部分使用单声道效果器,衰减时间调短。副歌部分使用立体声效果器,加长衰减时间。这种做法有助于增加歌曲在进程中的深度。
  • 在主歌部分使用微量失真(或不用),进入副歌时逐渐增大失真。这种做法在之前EQ的基础上,让泛音激励效果更进一步。失真不需要太极端,只需一点就可以造成很大变化。切忌过度使用失真。
  • 对于鼓来说,可以对环境麦克在主歌/副歌切换时做自动控制。有两种流派:在副歌部分提高顶部麦克和房间麦克可以拓宽声场,让音色变得丰满。另一种做法是副歌部分收窄鼓的声场,让吉他和其他和声乐器的音景放大。两种方式请都尝试一下。

以上这些处理的目的都是为了让我们在混音时根据音乐的进程在第三个维度上描绘音景。我们要试图通过声场变化、深度变化以及泛音激励等影响,让音乐活起来。而不是简单地去靠歌词、段落和动态来产生变化。

另一个思路是:音乐是在讲述故事。每个故事都应该有跌宕起伏的情节,而混音师则是使用工具来塑造故事的情节发展。

自动控制

我们可以通过Automation来调节以上效果参数。目的是让不够均衡的表演变得动地态均衡,然后再关键点加以激励。

许多混音工程中都会用到自动控制。例如,在主唱人声轨用Automation,让其能够一直处于整个混音的最上层。在特定乐句或单词上调整参数,会使人声更具冲击力。另外可以在build阶段针对某个乐器进行自动控制,以提升整个段落的张力。Automation还能方便地改变不同段落的音量水平(例如之前提到的鼓组环境麦克音轨)。总之是个能够灵活运用的工具。对于Automation的操作没有标准规则——有些混音师使用大量Automation,也有人用的并不频繁。所以根据自己的需要进行尝试,直到达到满意。

不管你是否相信,总有那样一个时刻让你觉得混音已经完美或接近完美!这种时候也是最容易失去判断的,或许需要重新换一种心境再次聆听。也许你觉得这时候可以进行交付了,但交付之前这里仍有一些建议:

  • 请确保经常休息耳朵。通常的建议是每小时休息10分钟。另一个建议是90/20原则:每工作90分钟让耳朵休息20分钟。放松听力也是很关键的,有时休息过后再次聆听会有焕然一新的感觉。
  • 混音工作就像一连串的逻辑谜题,或是搭建一座纸牌屋。有时候一个操作会影响一连串结果。请仔细聆听每一步操作造成的微妙变化并理解它对整个混音产生的影响。
  • 记住,solo(独奏)按钮是你的敌人!当你单独聆听一条音轨,你无法找到它在整个混音中的参考位置。solo模式可以有助于找到单独音轨中的演奏或处理上的瑕疵,但随后请马上放到整个混音中去聆听它和其他音轨的关系是否融合。一个比较妥当的选择是:通过推子把单独轨道音量提高,虽然不能完美体现该轨和其他轨道的正确比例关系,但总归比单独聆听这一轨道要好的多。
  • 使用不同音箱以及在不同环境聆听你的混音,特别是你平时听音乐时使用的设备和环境。这样你就不会被设备所蒙蔽,有可能发现之前未能发现的问题。而且,你的客户有可能会在多种环境下进行“car test”(汽车音响测试)或者“ear-bud test”(耳机测试)。一个优秀的混音应该在各种条件下都有不俗的表现!
  • 列一个参考歌曲列表。做一份你耳熟能详的歌曲清单。聆听它们的人声是怎样融入整个混音,各乐器的混响、延迟是怎样的,底鼓和贝斯、吉他的音量关系,低音是否坚实等等。将你自己的混音和熟悉的素材做对比有助于在混音时找到一定的参考。最好能够以客户非常认可的混音作品为参考。
  • 在有些段落播放时可以关掉显示器,只用听觉去分析你的混音。你会意外的发现当视觉干扰移除之后听觉上会有新的感受。
  • 如果有可能,请将完成的作品搁置一夜,第二天进工作室第一时间再次聆听你的作品。这会让你在最清新的状态去审视自己的作品,同时也在交付前为自己留出精神与身体上的休整时间。

 

完成混音

在混音工作收工之后还有一些重要的事情。首先混音作品需要交付给客户验收。然后可能会有需要修改的地方。最终定稿后交给母带工程师。让我们来看看这一流程:

  1. 导出:你的宿主应该有能力将最终混音输出为一条立体声音轨。这一功能可能叫做“Bounce to disk”或是“Export”之类的。稍后将介绍导出格式。
  2. 内部备份:如果你使用外部设备混音,如模拟设备或物理调音台,你可以在你的宿主里创建一条立体声轨道,将混音结果录制进去。这样做的好处是可以保留一份混音备份。录制完成后,你可以将该音轨任意导出成任何格式。
  3. 外部备份:同样适用于外部设备混音。你可以将混音结果录到外部硬件设备中(如立体声磁带、刻录CD等)。

Master轨

是否对Master轨进行处理——这是常年以来混音师们一直争执不休的问题。

这个问题没有正确答案。如果你打算将混音结果交给母带师去做母带处理(强烈建议这样做),那么最好不要在Master轨做任何处理。即使你打算自己做母带处理,也请过几天再单独进行母带处理。

一些专业人士会在master轨做轻微的压缩和EQ调整。如果你决定要在master轨做处理——不论EQ、压缩还是其他操作——请另导出一条master轨未经处理的混音结果。千万别留有自己不满意的地方然后想着“母带工程师会搞定的”。你所交付的一定是你最终满意的混音作品。这样母带工程师才能做好他们该做的。

 一些优秀的混音师会在开始时给master轨加一个压缩。这并非最好的方法,优秀的混音作品来源于对每个细节的认真仔细,而不是在总线上大刀阔斧。如果你觉得在Master轨上加一些胶水压缩或饱和效果会更好的话,那么请问问自己:能否通过对个别音轨做处理以达到同样好的效果,尽量不要在Master轨上做修改,毕竟有人会去做这事。

改动

有时候你的客户会当面听你的混音结果,但有时(例如远程交付)你需要等待客户的反馈。不论哪种情况,客户都有可能会提出修改意见。这并不是说你做的混音不好。有可能客户和你的聆听重点以及角度不同。他们可能会提出大改意见,例如将人声的音量整体降低。也有可能会提出一些细小改动,如将某个叠加轨稍微像左侧偏移一些。总之每次都可能有各种各样的修改意见。

请记住,客户是付你钱的人。而且通常情况下,客户都是原作者(厂牌相关的除外)。因此,他们对自己作品的修改意见比你的个人解释更加重要。每当这种时候,我都能理解作为混音师的苦衷。但你得想想黑胶时代,唱片是主流音乐媒介,作者的名字会大大地印在唱片正面,而混音师的名字可能只有很小的字体印在背面。所以当你试图强调自己的解释时请想到这一点。认清状况会让你自己和客户都开心。

音频文件格式

当你准备好导出音频时,你需要觉得导出格式,采样率、采样精度。如果你是要交给母带工程师做处理,那么最好保持导出音频和原始音频格式一致。这样可以保证音质不受损,而且母带工程师后期可以做更进一步的采样率、采样精度转换。

 导出时选择比原始素材更高的采样率和采样精度并不会提高保真度或解析度。例如,你的工程用的是44.1kHz采样率,你无法简单地通过调整采样率来增加音频本身的音质,那样做只会加入无用数据。好的音频工程师在必要时能够做内部过采样和64位处理。所以在处理过程中单纯地提高采样率很少会有效果。

当你导出低采样精度音频时,需要为master轨添加dither(抖动)。再次说明:如果可能的话这方面的工作还是交给母带工程师比较好。

 如果你有兴趣,可以参考iZotope的《Mastering Guide》和《Dithering Guide》

输出额外的混音/STEM

最终混音导出之后,你可能需要选择额外导出的音频。有以下一些选项可参考:

• Vocal Up 1 dB(提高1dB的人声)
• Vocal Up 2 dB(提高2dB的人声)
• Bass Up 1 dB(提高1dB的贝斯)
• Instrumental(器乐)
• A capella(独唱)
• Show Mix (除主唱人声之外的所有声部混音)

你还可能需要导出STEM。STEM意思是带有处理效果的单独某个乐器或某组乐器。导出STEM时只需solo某个乐器或某组乐器然后进行导出。通常会有以下声部:

• Drums(鼓组)
• Bass(贝斯)
• Guitars(吉他)
• Keys(键盘)
• Synths(合成器)
• Percussion(打击乐)
• Lead Vocal(主唱人声)
• Background Vocals(伴唱)
• Horns(管乐)
• Strings(弦乐)

这些输出有助于今后制作Remix。

 

总结

我们希望这个教程能够一直作为你在混音工作中的参考,并使你的混音技术不断提高。记住,我们的目标是成为“隐形的眼睛”——客户通过我们能够看到他自己作品的最终版本。同时我们需要尽全力去服务于乐曲本身,不管用什么工具如何处理。

最后,本教程并没有给出硬性指标和捷径,仅作为参考指南。每个人都有同样的EQ和压缩器,但最终我们如何选择、使用这些工具才是帮我们做出具有自己独特风格作品的关键。

请记住两点:请尽全力去混音,请享受这一过程。

 

专家建议

Joel Hamilton

“有时候使用单声道、平行压缩会产生奇特的相位抵消效果。试着在鼓组加入这些效果,然后听听相位翻转。”

Jimbo Barton

“我经常以鼓组、贝斯和人声作为远景框架来构建其他乐器。在solo模式下调节EQ通常无法让其在整个混音中达到预期的效果。如果乐器在混音里调好了solo之后音色很糟糕,请不要害怕。因为他在整个混音里听上去OK,那么就是OK的。为人声加延迟效果的时候,请在发送信号中做较大的de-ess处理,这样可以有效避免延迟后的齿音。”

Craig Schumacher

“要明确混音做到什么程度算完成!我们总是花很多时间在一个工程里东挑西拣。注重细节是好事情,但“适度”同样重要。不然你会越过收益递减点。”

Ted Paduck

“EQ不一定都是提升。试着裁剪掉不需要的频率有时会让其他乐器更加突出。例如,对鼓组顶部麦克风添加80Hz左右的高通滤波,可以在低频给底鼓和贝斯留出空间。”

 

附录A:混音的设备

软件和声卡

在电脑上进行混音,你需要一个宿主软件和一块声卡。网上有很多关于软硬件的评论和推荐文章。你可以从中找到适合你的选择。但需要注意的是:无论台式机还是笔记本,其自带音频回放系统并非为高保真设计,有些时候会通过隐藏的信号处理来回放您听到的音频。这会让你在混音过程中很难做出正确的判断。因此我们推荐使用外置音频接口。

监听音箱

精准的监听设备对于混音工作是至关重要的。如果你的回放系统给你带来的声音不准确或不完全,你就无法判断哪些特征来自混音哪些特征出自回放系统的音染。但这并不意味着用便宜的设备就一定做不出好的混音。关键在于要知道你的硬件设备存在的限制在哪里,然后通过自己的听力去进行补偿调整。

对于录音室近场监听来说,常见的一个问题是低频不足,特别是40-50Hz以下的部分。因为这些监听音箱没有足够的体积和质量去推动该频段的空气。一个解决方案是:额外补充一支低音炮,作为对录音室监听音箱的低频补偿。当然,在设置低音炮的时候也需要花些时间,但总的来说还是利大于弊。

那么应该如何正确设置?假如你有一个频响能达到20Hz的麦克风,那么这里可以教你一个简单粗暴的方法。需要用到iZotope的Ozone(demo版也可以)

  1. 找一首频率范围较全的歌曲。只要频谱覆盖面够足即可,无所谓什么歌曲。
  2. 把Ozone的频谱设为average模式,并且对歌曲中的段落进行循环播放。打开EQ模块,将其保存为snapshot(打开Snapshots栏,点击“Start Capture”,你会看到一条和当前频谱不同颜色的冻结线)。
  3. 把麦克风置于你平时工作时听音的位置,用监听音箱/低音炮的组合来播放loop
  4. 调节低音炮的音量,直到麦克风采集到的信号(黄线)与音源频谱(紫色)接近重合时为宜。

虽然不是完全精确,而且可能会存在误差(主要受麦克风质量和摆尾影响),但可以让你听到的声音尽量还原原始音源。

然后,你的监听环境并非只和监听音箱有关。可能更重要的是整个房间环境。你无法得到一个完美的监听环境,也不可能预测出其他人听你的作品时所处于怎样的环境。对于这一点我们有如下建议:

  1. 听一些你经常听的熟悉的音乐,要用不同的回放设备听。多花些时间“熟悉”你的监听设备。用它播放你最喜欢的专辑。你大致了解同一张专辑在家庭音响、汽车音响等不同回放设备上的表现之后,你可以根据这些对比来调整你在监听设备上的聆听模式。
  2. 在小型监听音箱上,低频通常会表现不足。但这并不意味着你要在混音中提高低频。你只需要明白有多少低频缺失是由于硬件造成的,然后做出正确的补偿判断。

耳机

耳机是另一种监听选择。有很多非常全面的耳机网站(例如:http://www.headphone.com)。所以在此我们并不打算推荐硬件设备,留给你自己去做功课。使用耳机做混音时有以下几点需要注意:

  1. 耳机和音响的声场有着非常大的区别。一般情况下,优秀的作品如果在音箱上声场表现出色,那么在耳机上的声场同样也会很棒。但反过来不一定成立。因此耳机可以作为监听音箱的补偿,但尽可能不要把耳机当作混音的主要监听设备。
  2. 耳机和音响的频响范围可能不同。你的房间、头甚至耳廓都会自带滤波效果。而当你使用耳机时,这些天然“EQ”的效果会被屏蔽。如果你对这种现象有兴趣,可以搜索一下“diffuse field” 耳机。

 

附录B:IZOTOPE工具

NEUTRON 2:革命性混音插件

“Neutron2”的图片搜索结果使用Neutron2获得前所未有的专注及清晰度。该插件包含了最新发明的分析及测量工具,以及屡获殊荣的音频处理算法。 
https://www.izotope.com/en/products/mix/neutron/

NECTAR 2:人声处理利器

“nectar2”的图片搜索结果

使用Nectar 2的强大人声处理器将你的人声变得鲜活。工具包同时包含音高修正、呼吸控制等插件。
https://www.izotope.com/en/products/mix/nectar.html

OZONE 8:母带处理必备工具

“ozone8”的图片搜索结果

将所有完好的混音接到一起,控制整体动态范围,添加独特的风格。Ozone Advanced工具包括新的复古EQ、复古压缩以及复古磁带饱和等模块。
https://www.izotope.com/en/products/master-and-deliver/ozone.html

TRASH 2:失真、撕裂、变形

“trash2”的图片搜索结果

Trash 2是一个强大的新时代音频失真、撕裂以及实验音色效果器。让声波混沌来的更猛烈些。
https://www.izotope.com/en/products/create-and-design/trash.html

 

原文:iZotope – Mixing Guide 2016
翻译:Aquoibon
转载请注明出处

发表评论

电子邮件地址不会被公开。 必填项已用*标注